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Last Night in Soho

P R I M E U R
[ En salle ]
Sortie
Vendredi 29 octobre 2021

SUCCINCTEMENT.
Une jeune femme passionnée de mode et de design parvient mystérieusement à retourner dans les années 60 où elle rencontre son idole, une éblouissante jeune star montante.

CRITIQUE.

★★★ ½

texte
Élie Castiel

Swinging London

sur fond d’épouvante existentielle

   Deux univers s’affrontent et se complètent dans cette intrigante peinture d’un certain Swinging London des années 60, sis dans un Soho aux néons tentateurs des cabarets à l’ancienne et des immenses panneaux publicitaires à l’entrée des (nombreux) cinémas. Un univers également corrompu comme l’exprime l’imagination débordante d’Eloise, une jeune d’aujourd’hui, originaire de Cornouailles, qui se rend à Londres pour étudier la mode. Elle est fascinée par les tenues vestimentaires de ces années incontournables. Et dans son esprit, elle voit des images de cette époque qui la troublent.

Un autre espace cinématographique, celui de son imagination qui, en matière de mise en scène, conduit le spectateur dans le genre d’horreur, mais pas au sens traditionnel car, ici, se rapportant plus à l’épouvante psychologique que visuelle. C’est dans cette perspective que fonctionne le cerveau de la principale protagoniste, une des divisions encéphales qui joue un rôle prépondérant, offrant des sortes de mises en abyme, jeux de miroirs où Sandie, un personnage des années 60, aspirante chanteuse de boîtes à la mode, serait devenue la propriétaire du logement où Eloise loue une chambre.

Un jeu de miroir obsédant.
Crédit : Focus Features

Sandie, par sa coiffure, son habillement, notamment sa robe  d’un rouge étincelant sont des portraits documentés de cette décennie inoubliable. Last Night in Soho, c’est aussi l’histoire mélodramatique de Sandie ou plutôt dire les tribulations d’une jeune femme qui aspire à la célébrité et celle du souteneur qui la protège lorsqu’elle obéit. La peinture des relations hommes-femmes dans un certain milieu londonien de ces années est bien documentée.

Une dernière nuit à Soho, à l’image des films «sexy» nocturnes, terme inventé par les Britanniques, toujours ouverts aux nouvelles idées. À contre-courant du célèbre Shaun of the Dead / Shaun et les zombies (2004), du même Edgar Wright.

Eloise, par un détournement de la pensée, partage avec le spectateur le souvenir concret de cette époque comme si elle l’avait vécue. Le réel, l’imaginé et le surréel se fondent en un pour, en fin de compte, se solder en un film particulier que la caméra du sud-coréen Chung Chung-hoon filme avec des tonalités entre la délicate déréliction et la sensualité débordante.

Pour les inconditionnels, on retiendra les sons des chansons de ces années qui se conjuguent avec insouciance et admirer le jeu troublant et séduisant des deux principales protagonistes, Thomasin McKenzie et Anya Taylor-Joy.

Une dernière nuit à Soho, à l’image des films «sexy» nocturnes, terme inventé par les Britanniques, toujours ouverts aux nouvelles idées. À contre-courant du célèbre Shaun of the Dead / Shaun et les zombies (2004), du même Edgar Wright.

FICHE TECHNIQUE PARTIELLE
Réalisation
Edgar Wright

Scénario
Edgar Wright

Kristy Wilson-Cairns

Direction photo
Chung Chung-hoon

Montage
Paul Machliss

Musique
Steven Price

Genre(s)
Drame fantastique

Origine(s)
Grande-Bretagne

Année : 2019 – Durée : 1 h 57 min

Langue(s)
V.o. : anglais / Version française
Une dernière nuit à Soho

Dist. [ Contact ]
Universal Pictures Canada

Classement
Interdit aux moins de 13 ans

Diffusion @
Cineplex

[ Salles VIP : Interdit aux moins de 18 ans ]

ÉTOILES FILANTES
★★★★★ Exceptionnel. ★★★★ Très Bon. ★★★ Bon.
★★ Moyen. ★ Mauvais. 0 Nul.
½ [ Entre-deux-cotes ]

Nous serons les oubliés

P R I M E U R
[ En salle ]
Sortie
Vendredi 29 octobre 2021

SUCCINCTEMENT.
Colombie, années 1980. Le docteur Hector Abad Gomez lutte pour sortir les habitants de Medellin de la misère. Et malgré les menaces qui pèsent sur lui, il refuse d’être réduit au silence.

CRITIQUE.

★★★ ½

texte
Élie Castiel

Le charme sincère

d’une certaine bourgeoisie

   Le classicisme «vieux jeu» de la mise en scène n’en est que plus ravissant, charmant, oblitérant tout acte d’agitation ou d’agressivité. le sujet se prêtant à ce film sur la mouvance familiale en période de bouleversements politiques (et sociaux). Sans compter que la voix-off du narrateur raconte une période de sa vie, jeune adolescent, très proche de son père, docteur célèbre à Medellin. L’appareil de photo prend une importance symbolique. Capter le moment, arrêter l’instant, revoir sa vie, assurer une pérennité.

Fernando Trueba, dont nous avions hautement apprécié L’artiste et son modèle / El artista y la modelo (2012) avec un Jean Rochefort impeccable, a un penchant pour le vécu, le temps passé (Belle époque, 1992). Il chérit ces moments où la vie de famille, avec ses petits bonheurs, ses infortunes et les liens qui unissent ou déchirent chacun des membres sont autant de métaphores de la vie qui passe.

Maintenir l’essence de la complicité filial.

Le politique l’intéresse, mais pas jusqu’au plus haut point, juste assez pour voir son influence sur la vécu privé des individus, sur leur famille, leur propre personne. Ne pas être d’accord avec le sytème établi, c’est aussi le parti pris du docteur Héctor Abad Faciolince, magnifiquement campé par un habitué de Pedro Almodóvar, Javier Cámara, multipliant les registres d’interprétation jusqu’à leur attribuant une aura autant de dignité que d’assurance. Cela n’affecte pas pour autant, du moins en apparence, sa vie de père d’une famille, en apparence, unie.

À deux reprises, dans un cinéma et plus tard à la télévision, on voit un court extrait, quelques secondes de Mort à Venise / Morte a Venezia, un des plus beaux fleurons de Visconti. Au cinéma, en compagnie de son fils, le docteur en question jettera quelques larmes. Devant la beauté de la séquences sans doute, fort révélatrice, suscitant chez le spectateur quelques interrogations passagères.

On retiendra le jeu des éclairages et les mouvements de caméra qui épousent amoureusement la période en question, ce début des années 1980 en Amérique latine. La cellule familiale, c’est ce qui compte le plus pour Trueba, quitte à ignorer parfois les bouleversements sociaux et politiques ; dans le cas des enfants, enivrés par une enfance heureuse en milieu bourgeois.

Les turbulences ne sont pas montrées avec violence. Tout navigue dans des eaux plutôt calmes. L’abattement social et ses répercussions s’expriment en filigrane et grondent en commençant par des petits cris stridents, à peine perceptibles. Jusqu’à ce que les affres du destin conduisent vers un nouveau tournant.

FICHE TECHNIQUE PARTIELLE
Réalisation
Fernando Trueba

Scénario
Héctor Abad Faciolince
David Trueba
Direction photo
Sergio Iván Castaño

Montage
Marta Velasco

Musique
Zbigniew Preisner

Genre(s)
Drame biographique

Origine(s)
Colombie

Année : 2020 – Durée : 2 h 17 min

Langue(s)
V.o. : espagnol, italien, anglais; s.-t.f. ou s.-t.a.

We’ll Be Forgotten
El olvido que seremos
[ Memories of My Father ]

Dist. [ Contact ]
A-Z films

Classement
Interdit aux moins de 13 ans

Diffusion @
Cinéma Beaubien
Cineplex

[ Salles VIP : Interdit aux moins de 18 ans ]

ÉTOILES FILANTES
★★★★★ Exceptionnel. ★★★★ Très Bon. ★★★ Bon.
★★ Moyen. ★ Mauvais. 0 Nul.
½ [ Entre-deux-cotes ]

Passing

P R I M E U R
[ En salle ]
Sortie
Vendredi 29 octobre 2021

SUCCINCTEMENT.
À New York, dans les années 20, une femme noire voit sa vie bouleversée lorsqu’elle retrouve une ancienne amie d’enfance qui se fait désormais passer pour blanche.

CRITIQUE.

★★★★

texte
Élie Castiel

États inconscients de béatitude

   Née en 1929, L’auteure Nella Larsen fait partie de la bourgeoisie afro-américaine d’un début du XXe siècle marqué du sceau de la ségrégation raciale. Son écriture est documentée, mais surtout l’est le périple de ces femmes noires au teint clair qui, voulant épouser les privilèges de leur classe sociale (l’une épouse d’un médecin, comme elle, afro-américain ; l’autre, à la complexité beaucoup plus blanche, mariée à un blanc qui ne semble pas être au courant de cette situation) se font passer ainsi pour des blanches. Comme armes, un comportement obsessionnellement discret  lorsqu’elles se promènent ou entrent dans des quartiers blancs .

Rebecca Hall privilégie son métier d’actrice dans plus de 40 productions, dernièrement, Godzilla vs. Kong (2020). Si le titre original de son premier long métrage comme réalisatrice signifie pour une personne de «se faire passer pour une autre», le titre français renvoit directement aux rapports entre les deux principales protagonistes féminines, Tessa Thompson et Ruth Negga, toutes les deux exceptionnelles. Et surtout à leur comportement, parfois sibyllin, subtilement en demi-teinte. La distribution compte aussi sur des comédiens exceptionnellement, convaincus d’une proposition cinématographique lumineuse et surtout essentielle.

Le 1.33 comme format du cadre se feuillette comme un album de photos d’une autre époque, révolue, certes, mais qui ressemble étonnamment à la nôtre. Et puis, comme point d’appui, le noir et blanc, jouant sur diverses tonalités.

Il y a d’abord un traitement formel. La caméra suggère des plans parfois hors de l’ordinaire comme des prises proches du visage qui renvoient à la subordination des protagonistes, d’autres en plan d’ensemble montrant ces jeux de cache-cache pour échapper à une désapprobation raciale. Et bien en évidence, des flous, des hors-foyer qui expriment justement ce côté clair-obscur.

Dans le même temps, cette esthétique se conjugue adroitement au récit, traité avec une maturité hallucinante, cherchant avec convoitise les contours psychologiques des deux déracinées, face à elles-mêmes et à la société majoritaire.

Deux solitudes sociales dans la grande ville.

Et puis, sans qu’on s’y attende, une rivalité féminine entre les deux, pour l’une poussée par la jalousie, pour l’autre par esprit d’indépendance, de pouvoir sans doute hérité des hommes en général et notamment d’une attirance pour sa propre identité séductrice.

Le 1.33 comme format du cadre se feuillette comme un album de photos d’une autre époque, révolue, certes, mais qui ressemble étonnamment à la nôtre. Et puis, comme point d’appui, le noir et blanc, jouant sur diverses tonalités. Somme toute, c’est un premier essai réussi pour Rebecca Hall. Si la tendance se maintient, elle pourrait se situer parmi les nouvelles voix du cinéma contemporain. Pour la simple raison que son fil narratif capte harmonieusement et avec une lucidité étonnante les ambiguittés, les moments d’humanité partagée et les questionnements de l’être.

Le film est en salle uniquement à la Cinémathèque québécoise, en principe, pour une seule semaine. Il est diffusé ensuite à Netflix, dès le 10 novembre. Justement, le géant Netflix, qui aurait dû envisager sérieusement une projection de presse non virtuelle. Ce qui explique notre léger retard à faire paraître notre critique, destinée surtout à ceux et celles qui préfèrent voir les films en salle.

FICHE TECHNIQUE PARTIELLE
Réalisation
Rebecca Hall

Scénario
Rebecca Hall
D’après le roman de Nella Larsen

Direction photo
Eduard Grau

Montage
Sabine Hoffman

Musique
Devonté Hynes

Genre(s)
Drame

Origine(s)
Grande-Bretagne
États-Unis

Année : 2020 – Durée : 1 h 38 min

Langue(s)
V.o. : anglais; s.-t.f.

Clair-obscur

Dist. [ Contact ] @
Netflix
[ Équinoxe Films ]

Classement
Visa Général

Diffusion @
Cinémathèque québécoise

ÉTOILES FILANTES
★★★★★ Exceptionnel. ★★★★ Très Bon. ★★★ Bon.
★★ Moyen. ★ Mauvais. 0 Nul.
½ [ Entre-deux-cotes ]

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